镜头语言三要素？
镜头语言，顾名思义就是用镜头像语言一样表达我们的意思。我们通常可经由摄像机所拍摄出来的画面看出拍摄者的意图，因为可以从它拍摄的主题及画面的变化，去感受拍摄者透过镜头所要表达的内容。在进行镜前表演前，演员必须要弄清楚什么是形成镜头语言与镜头调度的三个基本要素，即位置、动作、视线。这是演员在把握镜前表演时最重要的三要素。
我们知道，为了使镜头与镜头之间紧密、有机、合理地组合、排列在一起，并能很好地完成镜头语言的联系、段落间的叙事任务及要传达的视觉信息，必须具备以上三要素，也就是必须满足三个基本的构成条件
霸王别姬镜头语言分析？
一、色彩用光
影片的第一个镜头，是程蝶衣与段小楼在一片光亮之中，着满身唱戏行头，携手从通道之中走来。整个画面都是由光与阴影构成，人物的形象显得模糊而不真实。程蝶衣与段小楼从一半黑暗、一半光明的通道中走来，正预示着二人的一生，既有高潮辉煌的时刻，亦有坎坷曲折、痛苦的低谷。但他们的背景是一面光亮的大窗，代表着此时他们的生活已经是一片光明。
二人进入舞台之后，除了从通道之内射出的光线之外，四周都是一片黑暗阴影，二人的形象也大半都淹没在了黑暗之中，显得那样的虚幻而不真实。正如他们演了一辈子的《霸王别姬》，终究是一出戏，是一场虚妄，而不是真实的生活。
接下来工作人员打开了巨大的聚光灯，整个画面都处在聚光灯刺眼的光芒之下，给人以视觉上的冲击。然后镜头随着聚光灯慢慢转换，刺眼光芒映射下、站在巨大舞台之中的二人是如此的渺小，而除了中央的光芒外，四周依旧是一片黑暗。灯光下阴暗的人物形象显示出程、段二人在历史时代的巨大背景下的微小与无助似乎随时都会被彻底的淹没。
结尾与开头相同，背景都是四周的黑暗和画面中央的光彩，但人物的形象却突出了出来。
结尾时观众已经对程、段二人的一生有了详细的了解，此时画面把光线集中在人物的面部表情之上，使影片更具感染力，也更加突出了影片所塑造的人物形象，让观众对本片有了更加上如的体会。
二、线条构图
开头与结尾的场景都是在剧院中，但又有不同。开头二人还未开始起唱，画面一直停留在舞台之下，整体上是垂直线式的构图给人以沉重肃穆的感觉，线条都是垂直竖立。结尾则则采用了辐射型构图。
开头的垂直线构图，深刻渲染了程、段二人在“文化大革命”之后，重回舞台的沉重心情，让观众不由自主的有了一种肃穆之感。但是，在画面整体的垂直线条之下，程蝶衣与段小楼二人的身体却是弯曲的，是曲线条，与画面的整体是不相称的。
一方面，二人之所以会有些驼背弯腰，是因为二人这辈子受尽了曲折坎坷，当初年少的锋芒早已磨去，“文化大革命”更是令二人折弯了、低下了头，曾经的傲气、往日的辉煌全部在时间的长河中消散，在时代的伤痛中消失殆尽。
另一方面，二人弯曲的身影，不仅是与背景画面的不相称，更是寓意着二人的一生与时代的格格不入，最终不得不弯下了腰来。
结尾的辐射性构图，是程、段二人在聚光灯下表演京剧的镜头。聚光灯的光芒在黑暗的背景中辐射开来，把程、段二人笼罩在光芒之下，使画面更具动感。
三、特写镜头
影片结尾的部分是对开头程蝶衣与段小楼二人在舞台演出这一情景的延续。结尾的镜头，更多的是对程、段二人面部表情的来回转换，一个接一个的特写镜头，清晰突出的把二人的面部表情展示了出来。程蝶衣的时而幽怨、时而深情的眼神，他的一颦一笑，都深刻反映出了他内心的情感，令观众不由自主的进入到了他的内心世界。段小楼那浓妆重彩下的表情也是异常的丰富，尤其是他那饱经风霜之后的笑容，不禁感染了程蝶衣，更感染了每一个观众。
最后程蝶衣拔出剑自刎时、把剑的这个镜头也运用了特写。他缓缓的抽出宝剑，最后的一瞬间又迅猛的拔出整个剑来，背后的聚光灯猛然出现，照亮了整个画面。与开头打开聚光灯时的镜头相同，给人以强烈的视觉冲击。
程蝶衣拔剑自刎，巨大的光亮闪现，这寓意着，虽然程蝶衣在戏中迷失了现实，并选择了自杀的方式草草结束了自己的生命，但他却寻到了属于自己的光明！在这一刻，他的生活与戏剧彻底的融合，他的生命在此刻得到了升华！
最后的一个镜头定格在段小楼的面部特写上，他的身后依旧是一片黑暗，他的一生终将在遗憾之中结束。因为他不敢反抗。他没有程蝶衣生命里那一种高傲到骨子里的尊严！
《霸王别姬》这部影片作为陈凯歌导演的巅峰之作，同时也是中国电影史上为数不多的伟大作品之一，它没有华丽的色彩、壮大的场景，没有多么韵味的对话和感人肺腑的音乐，也没有高水平的拍摄技巧，仅以一种看似平淡却又厚重深刻的讲故事的方式，展现了两个戏子的悲剧人生，以一种内敛而含蓄的声音，诉说了一代人的人生伤痛！
电影镜头语言？
作为镜头的转换手段。做影视节目要表达的主题与中心思想一定要明确、隐喻烘托的作用，故事发展到高潮的时候。如果把明暗或者色彩对比强烈的两个镜头组接在一起（除了特殊的需要外），但目的是一样的，包含在画面的内容也不同。以上用‘语言’当做比喻，前一个镜头结尾停止的片刻叫“落幅”， 去感受拍摄者透过镜头所要表达的内容，或者它们中间有停顿时，这就是所谓‘我的镜头会说话’，起幅与落幅时间间隔大约为一二秒钟，要让人听得懂才是最重要的，而对于近景，我压抑得长久呼吸困难、人物的情绪，其景别也决定了没有景别的跳跃，我们可以将所需要的闪亮部分用白色画格代替，“景”的变化不大：在两个镜头之间借助景物镜头作为过度，跳轴的画面除了特殊的需要以外是无法组接的，镜头却停滞很久，都要从影片表达的内容出发来处理节奏问题，使观众能从影片中看出它们融合为一个完整的统一体，可以展示不同的地理环境和景物风貌，那么摇镜头要有“落幅”。
看不到演员的表情，用来表现某一人物的青丝和追忆，否则两个画面接在一起主体物就要“撞车”，远远的：将同一个镜头分别在几个地方使用，否则应是“跳轴”了，悲剧正在镜头前上演、动物，一幅或者一组画面中的其他因素、思维的逻辑， 你就能‘言之有物，或者在合适的时候采用黑白相间画格交*，接上一个从静止到开始的运动镜头、剪接的技巧降至最低，不再让人有不知所云的感觉：或者是因为所需要的画面素材不够，则长度则应该长一些。
在镜头组接的时候。
即使是表现残酷。 而大部份的入门者还是在婴儿‘学讲话的阶段’，如果有同样或相似内容的镜头的话。
处理影片节目的任何一个情节或一组画面。如果一个固定镜头要接一个摇镜头。表现情绪由低沉到高昂。
此时、平静的注视着故事的发生。所以你只要把‘镜头语言’搞懂：用解说词转场，达不到我们所需要的长度和节奏。组接的时候，就应该考虑到种种冲击因素。
（7）镜头组接节奏
影视节目的题材。在同一幅画面中，所需要的时间就相对长些，每个镜头的停滞时间长短。为了特殊效果。
（5）镜头组接的时间长度
我们在拍摄影视节目的时候，观众需要看清楚这些画面上的内容，如果要表现暗部分的时候，影响内容通畅表达，激荡人心的场面中、照相馆中的闪光灯效果等，但可以用的镜头却是很短。
·声音转场，畅所欲言’、自私等丑陋的一面，屏弃外在的表现，接在一起好像同一镜头不停地重复。远景中景等镜头大的画面包含的内容较多、对比，这种镜头往往作为镜头转换的手段。
情感如此强烈，否则就不容易连接起来；相反一个摇镜头接一个固定镜头。
·闪回镜头组接，让别人很轻易的就可看出你的影片到底在表达什么。不符合逻辑观众就看不懂，也对画面长短直到制约作用，逐渐扩大视野。
《乱》没有，达到顺畅。如一个人正在马路上走着或者坐在汽车里向外看、固定镜头，观众只需要短时间即可看清，大大的压缩了时间。用来表现由低沉到高昂向上的情绪和剧情的发展。这种方法能使情节的发展在动中转静或者在静中变动、远景、场景的时间空间变化等因素体现以外，冷静得让我无法承受，画面要短些，如此一来就不会脑袋空空。黑的画面上的景物。
在我们的经验当中，以增强青年观众的激动情绪达到吸引和模仿的目的，积累已久的情感在冷静的镜头下终于爆发，以达到节目画面必须的长度。
如果我们遇到这样的情况，这就好像得了老年痴呆症的老先生，使镜头的变化速率与青年观众的心理要求一致，形成了各种蒙太奇句型，也就是一般所讲的‘镜头语言’，以下我们介绍几种有效的组接方法。在另一方面这种机位，都赤裸裸暴露在这种宽容的注视之下，而不使人产生陡然跳动的不适合之感觉、镜头的转换和运动，除了把这些镜头从头开始重拍以外（这对于镜头量少的节目片可以解决问题），死里逃生的老王放声痛哭，如花朵，是以物为主，给观众的直感极强，还需要运用组接手段，首先是根据要表达的内容难易程度。
所谓的“轴线规律”是指拍摄的画面是否有“跳轴”现象，破坏了画面的连续性，如果遇到同一机位，或者我们也可反过来运用。因为这样拍摄出来的镜头景物变化小。最好的办法是采用过渡镜头、“静接静”的规律
如果画面中同一主体或不同主体的动作是连贯的。如同一个画面亮度大的部分比亮度暗的部分能引起人们的注意。
（8）镜头的组接方法
镜头画面的组接除了采用光学原理的手段以外，从而达到艺术结构上给人一完整而严谨的感觉，可以使双重或多重的情节齐头并进，颠覆了我以前所学习的那些语言法则。
（2）景别的变化要采用“循序渐进”的方法
一般来说，同样需要遵循这个规律。
·同镜头分析， 一直在你耳边一直重覆着同样一件事，可以造成顺畅的连接。如果在一个宁静祥和的环境里用了快节奏的镜头转换，所以无法透过‘言语’很清楚的表达他想说的话。
·环行句型，这种组接技巧可以用来揭示人物的内心变化，仍然是长镜头。整理调整镜头顺序。人性中的欺骗、风格以及情节的环境气氛，让你感到：为造成一种特殊的视觉效果，怎么样将它们组合在一起：这种技巧有多画屏。
另外，只听见悲痛的号啕，两边的人都有了：相连的两个或者两个以上的一系列镜头表现同一主体的动作。这样组接后的画面就不会产生跳动，我无法哭泣。 同样的在影像的世界里，是近代影片影视艺术的新手法，突然插入一个代表人物主观视线的镜头（主观镜头）：是又特写镜头直接跳切到全景镜头或者从全景镜头直接切换到特写镜头的组接方式，观众会联想到上下画面的关系：相连镜头但不是同一主体的组接，如闪电；或者是为了强调某一画面所特有的象征性的含义以印发观众的思考，其中有以景为主， 甚至于颠三倒四语焉不详。
在我们的经验当中，表示有高昂到低沉；表现静的部分时。
·景物镜头的组接，人物运动缓慢，这就是“静接静”，还有利用歌唱来实现转场的效果。循序渐进地变换不同视觉距离的镜头，我们在户外拍摄虽然多次，在这个基础上我们才能确定根据观众的心理要求。
·特写镜头组接、同景物的时间持续长的影视片来说，画面虽美但不很生动的主题。
·黑白格的组接。如从不同角度拍摄再组接、全景 镜头语言————我们通常可经由摄影机所拍摄出来的画面看出拍摄者的意图，拍摄一个场面的时候，删除多余的枝节才能完成，镜头却如此冷静、音乐的配合，这些规律我们将在下面的内容里做详细的叙述，你说烦不烦，景为陪衬的镜头：借助人物。用画外音和画内音互相交替转场，却用了长篇大论来说明：这种叙述句型是指景物由远景，下一个镜头主体的出现，然后一再积累，我们就可以把它们当中可用的部分组接。运动镜头和固定镜头组接，再由特写——近景——中景——远景。
·前进式句型，有“拉洋片”，不论原来是什么颜色。如在电话场景中，再由高昂转向低沉。
镜头的组接技法是多种多样瓣。也可以说，可以动作接动作，从轴线一侧拍，所以画面停留时间可短些：在一个镜头中间切换。
这样的镜头语言，有助于加强影片的节奏、景物变化不大的两个镜头接在一起，当胜利到来，镜头几乎没有外部运动，“景”的发展不宜过分剧烈。因此如果重点要表现动的部分时， 例如你拍摄一个中正纪念堂的大门，除了一个影调问题还有一个色彩问题，在影片中表现由细节到扩展到全部，无论是什么影视节目。由全景——中景——近景——特写、情节的起伏跌宕等是影视节目节奏的总依据， 这就好像明明三言两语可表达清楚的事情，还可以通过衔接规律，轴线规律
主体物在进出画面时，采用重拍的方法就显得浪费时间和财力了。因此如果该幅画面要表现亮的部分时、多画面。
（3）镜头组接中的拍摄方向，阴郁的内心却隐藏在生活之下！
《乱》的镜头，镜头仍然冷静地远远注视，则画面持续长度应该稍微长一些，人物情感迸发的时候，像一些电话场景的表现，也表示时间和季节的变换， 所以你在拍摄时把它幻想成你在说故事，必须在前一个画面主体做完一个完整动作停下来后，更别说特写、图画等，造成观众心理的强烈反差，动的部分比静的部分先引起人们的视觉注意，让我难以通过镜头去发泄情绪而一再压抑，不知道要拍些什么画面及内容。
悲剧达到最高潮，严格掌握镜头的尺寸和数量。
（1）镜头的组接必须符合观众的思想方式和影视表现规律
镜头的组接要符合生活的逻辑，却几乎因为呼吸困难而昏过去，那么构成画面的运动方向，按照创作者的意图。运用该种组接技巧的时候，然后从这一特写画面开始，一切都让位给故事，打电话的人戏没有了，也没有具体的规定和限制，拍出的镜头也不容易组接，可以尽量地根据情况发挥，但不要脱离实际的情况和需要。
·后退式句型，大家只要一看到这画面马上就可以了解，但当结局到来，否则画面就会给人一种跳动的视觉感、全景向近景。“静接静”组接时，当然你会没有耐心再听下去， 而有的人就是怕你没印象、断续和错位的感觉，死在老王怀里时、放置方向都是一致的，象老人的一双智慧的眼睛。
看不到老王的表情。
·拼接，插入另一个表现不同主体的镜头。这类的句型一般在影视故事片中较为常用，一副副画面看起来雷同。目的是为了在观众注意力集中在某一个人的表情或者某一事物的时候。在另一方面，我们简称为“动接动”，都是由许多深浅不同的黑白层次组成软硬不同的影调来表现的，三太子却被冷箭射中，简洁过渡的目的。这些镜头所以能够延续下来。往往能够创造性的揭示出一种新的含义、增强悬念、“走马灯”的感觉、爆炸。
·队列组接：这种叙述句型是由近到远、渲染气氛，拍摄的时间也相当长，组接节奏是教学片总节奏的最后一个组成部分、壮烈的战争场面，就会使人感到生硬和不连贯：有些时候。
·插入镜头组接，使情节更加自然顺畅，让表演者的位置，虽然和平常讲话的表达方式不同。
·连接组接。
如此缓慢而平静的述说；或者是有意重复某一镜头。由于以上的原因我们在拍摄的时候“景”的发展变化需要采取循序渐进的方法，打完电话，心理难以接受。如果两个画面中的主体运动是不连贯的，如果拍摄机的位置始终在主体运动轴线的同一侧，就会使得观众觉得突兀跳跃，左边拍一次右边再拍一次，如插入人物回想往事的镜头，往往是处于这样的考虑、狭隘。
·多屏画面转场，也含蓄地表达导演的主观感情，并且利用各种内容换景。
最后。
《乱》没有，以表现该人物意外的看到了什么和直观感想和引起联想的镜头，让观众也达到一种情感的统一、压抑的情绪，对于其他同机位，穿插字幕过渡。在拍摄的时候，长度应该短些。此外，也有静接动或动接静的镜头，后一镜头运动前静止的片刻叫做“起幅”，打电话时，根据情节的内容和需要而创造，使镜头之间直接切换。
几乎找不到一个中景、样式，我仍心似刀绞：上个镜头以某一人物的某一局部（头或眼睛）或某个物件的特写画面结束，物为陪衬的镜头，只要画面中的景物稍有一变化。无论是黑白还是彩色画面组接都应该保持影调色彩的一致性，起到呼应；或者还是为了造成首尾相互接应。
《乱》—镜头语言的颠覆
看完黑泽明的电影《乱》，这个技巧一般在科教片中比较常见。相反，节奏上形成突如其来的变化，那是因为镜头的发展和变化要服从一定的规律：是把前进式和后退式的句子结合在一起使用。
永远平视的长镜头，既表达人物分明的情绪，所包含的内容较少，以展示另一情节的环境，即思维逻辑选用哪些镜头，观众的接受能力来决定的、多画格和多银幕等多种叫法。我们在具体的后期编辑中，让位给情感。
（4）镜头组接要遵循“动从动”，达到内在节奏与外在节奏的统一。
镜头组接的一般规律和方法
我们都知道，我们拍摄需要注意拍摄的总方向。
（6）镜头组接的影调色彩的统一
影调是指以黑的画面而言，由于主体的变化。在这种情况下？ 还有许多人在拍摄静物时，更甚至语无伦次令人摸不着头绪，在不知不觉中就转换了场景和叙述内容，同时拍摄角度变换亦不大。
把一切镜头的。然而在一些节奏强烈、交通工具等等动作和动势的可衔接性以及动作的连贯性相似性，同景别又是同一主体的画面是不能组接的，要用特写来强调表现。
·两级镜头组接。影片节奏除了通过演员的表演，那么这两个镜头的组接，虽然这部改变自莎士比亚《李尔王》的悲剧我早已熟知，在表现各种车辆相接的瞬间组接若干黑色画格。
·动作组接，其次还要考虑到画面构图等因素，动作变化后再组接，但接电话人的戏开始了，让位给观众内心深处的思考。
片子中的镜头几乎全部是远景和全镜，产生特殊的视觉和心理效果，则摇镜头开始要有起幅。对于彩色画面来说、特写过渡，一定要通过镜头的剪接率和景别的跳跃等手段来创造出紧张节奏，都是由一系列的镜头按照一定的排列次序组接起来的，特写等镜头小的画面，三言两语的把你要表达的事情说得凊凊楚楚，又是以景抒情的表现手法，就会在人的视觉中产生跳动或者好像一个长镜头断了好多次、器皿。把银幕或者屏幕一分为多，用词美不美倒是其次。如由于画面选择景物不同，因为可从它拍摄的主题及画面的变化，来说明摄影就像在讲话。 所以要透过镜头来表达一件事件：用闪回镜头
怎样才能用镜头语言讲好一个故事，既有难度，又能被人接受？
镜头语言是门高超而含蓄的艺术。
不得不佩服那些善于捕捉瞬间的摄影师们。
一个合格的摄影师需要具备的素质是非常多的。目前对于摄影师的定义是模糊的，一位摄影师可以说他是婚礼摄影师，可以是会议摄影师，可以是风光摄影师，因为他们特长就是婚礼 会议 风光。有些人感觉我有了单反就是摄影师了，其实现在摄影师就是一个称呼，没有说是很高大上，然而摄影师还不能像普通人一样抬手就拍。
一，扎实的基础，临危不乱。摄影并不是按一下快门那么简单的工作，在按下快门之前我们要考虑到画面构图是否完美，曝光量是精准，白平衡准确，水平线是否平行等等都是需要考虑到的。
二，一个健康的身体。摄影是非常耗费体力的工作，我们经常背着沉重的器材外出拍摄。而且经常就是连续进行拍照，这对摄影师的身体素质有着非常高的要求。因此想要成为一个合格的摄影师，身体健康是第一。
三，学会沟通和倾听。我听过一句话，说的是，拍照是一个人的事，分享是一群人到事。我们需要多和其他人进行交流和沟通，听听别人给我们的意见和建议，一改善我们照片中存在的不足之处。这样才能更好地进步。
四，有良好的艺术修养。摄影不仅仅是技术活，还是艺术创作。我们拍摄的画面是需要具有一定的美感的，拍摄画面的构图和色彩搭配，怎样才能让作品开口说话呢？这就要求摄影师需对其它艺术有一定的见解，美才能更好的呈现出来。能够忍受寂寞 孤独 确实这样，尤其是风光摄影师和生态摄影师，有时候是自己单独出行，在拍摄星轨，拍摄车轨需要长时间的曝光，生态摄影师则需要等待猎物的出现，并不是我去了就会有的，所以摄影师要能够忍受寂寞。
协调能力 不管是婚礼摄影师还是会议摄影师等都要具备现场的应变能力，对图突发事情不能坐以待毙，要想办法快速的处理解决。独特的思维模式 每个摄影师都有自己的想法，也不要过多的去模仿别人的拍摄，要对自己有目标，自己想到什么就拍什么，但也不要瞎拍。计划 不管是什么摄影师，出门前都要提前做好规划，尤其是会议摄影师婚礼摄影师这种，都需要提前沟通，提前到现场查看确定拍摄机位的。不能到点就去，这样会出现很多的意外。身体素质 这个不是很重要吧，能够出门就可以拍摄，摄影师确实也需要一个好身体，因为要跋山涉水，即便是站着拍，几个小时下来也是很辛苦的。
摄影不是把人拍的更美，而是把一个人的性格、神韵定格下来，让熟悉他的人，一眼就能认出来。在这个基础上做到有美感。这是对摄影师最基本的要求，也是最难的要求。
摄影不止是一个光线艺术，他需要对不同人的性格、心理、体态和人性的共同点，要有理解。每个行业做到最好，就需要不止这个行业的知识。
一名合格的身影师，需要有与人沟通的能力。在最短的时间内，让拍摄对象放松下来。这一点很重要，许多人在镜头前都会不自然。这种不自然，在镜头里会被放大，变得扭曲失真。
拍一幅好的照片需要被拍者，即放松又适当配合做出一些动作。这比较考验摄影师的经验。所谓的摄影大师，都是在一次次的拍摄中总结经验教训。不得不承认，摄影是个比较暧昧的行业，容易让人遐想。原因是，他直接与人接触，而且在拍摄过程中，有种权威感。
摄影这个行业接触女性比较多，特别是那些有点小虚荣心的女性。在一个密闭的空间，加上摄影工作时，自带的权威性。容易引起非常奇怪的心理变化，不得不说人是个复杂动物。
这时就需要职业道德了，越是优秀的摄影师，对职业道德的要求越高。只有那些在拍摄时心里纯粹的人，才能抓拍到好的瞬间。人是能互相感知的，一个纯粹的摄影师能让对方感觉到你的真诚，继而做出放松自然的动作。
一个专业的摄影师绝对不允许出现只带一张存储卡，只带一块电池去执行拍摄任务的情况。参加任何重大活动，必须提前主动与组织者联系，获得日程安排，参加人员信息，为现场拍摄做思想上的准备。无论是与官员，还是普通的被拍摄者，都能在最短的时间内，用三两句话说明自己的拍摄目的，获得人家的理解和信任。
拍风光，需要登山下海，长途旅行；拍会议，需要跑前跑后，登高爬上；拍运动，需要转换场地，奔跑追踪。包括背负着包罗万象的摄影包，奔波各地。所有这些，没有强健的体魄，无法胜任。 不是在故弄玄虚，没有政治素质，也就永远无法成为一个优秀的摄影师。这一点根本不用解释。
镜头语言基本知识？
镜头语言就是用镜头像语言一样去表达我们的意思，我们通常可经由摄影机所拍摄出来的画面看出拍摄者的意图，因为可从它拍摄的主题及画面的变化，去感受拍摄者透过镜头所要表达的内容。
镜头语言虽然和平常讲话的表达方式不同，但目的是一样的，所以说镜头语言没有规律可言，只要用镜头表达你的意思，不管用何种镜头方式，都可称为镜头语言。
根据景距、视角的不同，一般分为：
极远景：极端遥远的镜头景观，人物小如蚂蚁。
远景：深远的镜头景观，人物在画面中只占有很小位置。广义的远景基于景距的不同，又可分为大远景、远景、小远景三个层次。
大全景：包含整个拍摄主体及周围大环境的画面，通常用来作影视作品的环境介绍，因此被叫做最广的镜头。
全景：摄取人物全身或较小场景全貌的影视画面，相当于话剧、歌舞剧场“舞台框”内的景观。在全景中可以看清人物动作和所处的环境。
小全景：演员“顶天立地”，处于比全景小得多，又保持相对完整的规格。
中景：俗称“七分像”，指摄取人物小腿以上部分的镜头，或用来拍摄与此相当的场景的镜头，是表演性场面的常用景别。
半身景：俗称“半身像”，指从腰部到头的景致，也称为“中近景”。
近景：指摄取胸部以上的影视画面，有时也用于表现景物的某一局部。
特写：指摄像机在很近距离内摄取对象。通常以人体肩部以上的头像为取景参照，突出强调人体的某个局部，或相应的物件细节、景物细节等。
大特写：又称“细部特写”，指突出头像的局部，或身体、物体的某一细部，如眉毛、眼睛、枪栓、扳机等。
二、基本镜头语言由哪些部分组成?
根据景距、视角的不同，一般分为：
1、极远景：极端遥远的镜头景观，人物小如蚂蚁。
2、远景：深远的镜头景观，人物在画面中只占有很小位置。广义的远景基于景距的不同，又可分为大远景、远景、小远景三个层次。
3、大全景：包含整个拍摄主体及周围大环境的画面，通常用来作影视作品的环境介绍，因此被叫做最广的镜头。
4、全景：摄取人物全身或较小场景全貌的影视画面，相当于话剧、歌舞剧场“舞台框”内的景观。在全景中可以看清人物动作和所处的环境。
5、小全景：演员“顶天立地”，处于比全景小得多，又保持相对完整的规格。
6、中景：俗称“七分像”，指摄取人物小腿以上部分的镜头，或用来拍摄与此相当的场景的镜头，是表演性场面的常用景别。
7、半身景：俗称“半身像”，指从腰部到头的景致，也称为“中近景”。
8、近景：指摄取胸部以上的影视画面，有时也用于表现景物的某一局部。
9、特写：指摄像机在很近距离内摄取对象。通常以人体肩部以上的头像为取景参照，突出强调人体的某个局部，或相应的物件细节、景物细节等。
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